“Notas sobre um Escândalo”, que entrou em cartaz ontem no país, é um exemplo de como a música pode prejudicar um filme. O diretor Richard Eyre recorre à trilha instrumental e minimalista de Philip Glass para reforçar a dramaticidade de quase todas as cenas, mas o resultado não poderia ser mais asfixiante.

A história da professora inglesa casada que se envolve com um aluno adolescente e que estabelece uma relação de doentia cumplicidade com uma colega mais velha não precisaria da música de Glass, que se sobrepõe à imagem e muitas vezes antecipa desfechos da narrativa.

A trilha do compositor americano se torna ainda mais supérflua devido às ótimas interpretações em “Notas sobre um Escândalo”. Muitas vezes, a música serve de muleta para ajudar a resolver cenas em que os atores não dão conta do recado. Não é o caso aqui. Cate Blanchett, a professora adúltera, Bill Nighy, o marido traído, e Judi Dench, a velha cúmplice e carente, são capazes de segurar a tensão dramática a cada momento em que surgem na tela. Mas, em algumas passagens, são ofuscados pela música, tão obsessiva quanto a personagem de Dench.

Não é o único caso recente em que a música sobra na tela. Em “Babel”, a trilha de Gustavo Santaolalla é uma ferramenta essencial para o diretor Alejandro Gonzalez Iñárritu intensificar a dor de seus personagens, especialmente o do interpretado por Brad Pitt. É outro exemplo em que o acompanhamento sonoro mais repudia do que cativa, mas em menor escala do que em “Notas sobre um Escândalo”.

Para a Academia, no entanto, os dois são modelos a serem seguidos. Santaolalla faturou seu segundo Oscar de trilha sonora no domingo passado por “Babel”, e Glass foi um dos indicados por “Notas sobre um Escândalo”. Para fazer uma experiência, este blogueiro gostaria de assistir a uma versão de “Notas” sem a música. Mas desconfia que, quando lançado, o DVD do filme não terá tal recurso.

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Mudando de assunto, um rápido aviso. Começou na noite de ontem o Festival Internacional de Cinema de Miami. A abertura, um bom agouro, foi “Black Book”, o filme novo do holandês Paul Verhoeven, do ótimo “Tropas Estelares”. Oito longas-metragens brasileiros participam do festival, e três deles concorrem ao prêmio de melhor filme de ficção ibero-americano. A partir desta segunda, este blogueiro estará em Miami para acompanhar a mostra e escreverá de lá.

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Trata-se do maior documentário de toda a história do cinema. Na verdade, não é apenas um documentário, mas um autêntico tratado filosófico sobre as especificidades da linguagem do cinema e, principalmente, sobre o olhar da câmera, capaz de flagrar a essência da realidade sem os psicologismos do caótico olhar humano, por mais que esse último esteja por trás do visor da câmera. "Um Homem com uma Câmera" é também um libelo contra o cinema de ficção lacrimogêneo, contra a banalidade do drama burguês. É ainda um esplendoroso manifesto metalingüístico sobre as possibilidades da montagem, todo pontuado por seqüências antiilusionistas que desnudam o processo de manipulação do próprio cinema. Um filme seminal, realizado em 1929, com uma construção moderníssima que influenciou gerações e ainda influencia novos realizadores.

Primeiro filme sonoro do mestre alemão, é um mergulho na sociedade germânica comandada por um poder paralelo de criminosos e contrabandistas após a Primeira Guerra, que possibilitou a chegada ao poder do nazismo. "M" é um filme pós-expressionista, mas foi fortemente marcado pelo movimento. Sua fotografia contrastada é esplendorosa, sem meios-tons: o que é claro é claro, o que é escuro é nigérrimo. Estamos em busca do lado obscuro da alma humana através de um assassino em série de menininhas, vivido magistralmente por Peter Lorre. Uma das seqüências finais, em que o personagem de Lorre é julgado pelos bandidos, é um dos maiores tesouros dramatúrgicos do cinema mundial.

Foi o último filme no qual Bresson trabalhou com atores, passando em seguida a trabalhar apenas com modelos, como um pintor. "O Diário de um Padre" é um dos trabalhos mais doloridos do mestre francês, que criou uma nova sintaxe para a linguagem do cinema, pensando a imagem como pintura, e o som, como uma partitura musical. Guru de nomes como Jean-Luc Godard, Abbas Kiarostami, Bruno Dumont e Tsai Ming-liang, Bresson buscava, à maneira de um documentarista, a essência do real em seus filmes de ficção. Ele acreditava numa espécie de revelação, de epifania do real no automatismo dos corpos de seus modelos e em situações aparentemente banais do cotidiano. Bresson levou ao paroxismo as possibilidades do espectador de confeccionar imagens com o próprio imaginário, trabalhando as ações de suas narrativas nas bordas ou fora do quadro cinematográfico. Um artista único cuja obra ainda precisa ser muito estudada pelas novas gerações.

Um dos filmes mais importantes do cinema brasileiro e que contaminou cineastas de vários países com seu genial roteiro joyciano, construído como um fluxo de consciência de um personagem em agonia, dividido entre a política e a poesia. Um filme existencialmente político no seu sentido mais visceral. Martin Scorsese e Francis Ford Coppola já declararam que gostam de ver filmes de Glauber quando se sentem em marasmo criativo. Um transe cinematográfico brasileiríssimo e sem precedentes.

Um dos maiores filmes da história do cinema, que focaliza a impotência da arte em modificar a truculência de um regime autoritário. Só resta ao professor de estética vivido por Erland Josephson devanear com cenas de auto-imolação, como também aconteceu em "Nostalgia", do mesmo Tarkovski, em que um personagem lança fogo sobre o próprio corpo numa praça pública. "O Sacrifício" é um passo adiante. Talvez o grande legado desse escultor do tempo, apesar de tanto desencanto. O projeto contou com a ajuda de ninguém menos que Ingmar Bergman, que, admirador de Tarkovski e sensibilizado com sua luta contra o câncer, procurou viabilizar a produção, com direção de fotografia magnífica assinada pelo grande parceiro do mestre sueco: Sven Nykvst. Obra-prima visceral e arrebatadora.

A colaboradora de Paris Patrícia Klingl escreve sobre "La Vie en Rose", biografia da cantora francesa Edith Piaf. O filme, que abriu o 57º Festival de Berlim, tem sua estréia no Brasil prevista para 27 de abril.

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La Vie em Rose, por Patrícia Klingl

Filha de um acrobata de circo e de uma cantora de rua, Edith teve uma infância difícil no bairro parisiense de Belleville. Aos quatro anos, abandonada pelos pais, foi viver com a avó paterna num bordel da Normandia. Adolescente, de volta a Paris, começou a cantar nas ruas, até ser descoberta pelo proprietário de um cabaré nos Champs-Elysées. Batizada por ele de "la môme Piaf" (que em gíria quer dizer "pardalzinho", devido a seu aspecto frágil), a cantora começaria a ter ali o reconhecimento de seu talento. Contudo não deixaria de conhecer a decadência e o sofrimento, que culminariam na sua morte precoce aos 47 anos.

Dahan não conta a história da cantora de forma linear. Sua opção foi apresentar fragmentos desconexos, que ao final ajudam a compor um personagem fascinante. Dessa forma, ele não escolhe um momento determinante de sua vida e contorna o que poderia transformar o filme em um grande melodrama.

“Estar aqui no ano em que Martin Scorsese recebe o Oscar é um prazer tão grande! Tão grande!” A frase, do produtor Graham King ao receber o prêmio de melhor filme por “Os Infiltrados”, foi a que mais bem definiu o desfecho do Oscar 2007. Quando Steven Spielberg, George Lucas e Francis Ford Coppola subiram juntos ao palco para entregar a estatueta de direção, ficou claro que o jejum acabara e este finalmente era o ano de Scorsese, amigo dos três e indicado pela sexta vez ao prêmio.

Sim, a grande onda que se formava nos últimos dias arrebentou na costa de Los Angeles, e “Os Infiltrados”, de Martin Scorsese, saiu como o grande vencedor da noite, com quatro estatuetas. Além de melhor filme e direção, faturou também roteiro adaptado e montagem, prêmio que levou Martin às lágrimas durante o discurso de agradecimento de sua parceira Thelma Schoonmaker.

Se o Oscar 2007 teve em Scorsese sua grande estrela, a palavra de ordem da noite foi “diversidade”. Um negro foi escolhido melhor ator, uma lésbica venceu canção, e outra apresentou a cerimônia. E os resultados confirmaram em parte o que as indicações já apontavam: a internacionalização do prêmio. Das 26 estatuetas entregues no teatro Kodak, 10 foram para não-americanos, incluindo o prêmio honorário para Ennio Morricone, que fez um belo discurso em italiano com direito à tradução quase simultânea e quase literal de Clint Eastwood. E essa conta não inclui os dois principais prêmios, concedidos a uma refilmagem de uma produção de Hong Kong.

Mas a internacionalização teria sido maior se o êxito dos mexicanos tivesse sido confirmado. “Babel”, que concorria em seis categorias, ficou apenas com o Oscar de trilha sonora, para o argentino Gustavo Santaolalla. E “O Labirinto do Fauno”, que conquistou três estatuetas logo na primeira metade da cerimônia, perdeu a mais importante, de filme estrangeiro, para o alemão “A Vida dos Outros”, numa das poucas zebras (ou quase-zebras) da noite.

Falando em quase-zebras, a justa vitória de Alan Arkin como coadjuvante foi uma delas. E a derrota de Eddie Murphy foi um dos fracassos do enfadonho “Dreamgirls”, que será lembrado como o musical que não conseguir ganhar nem melhor canção, mesmo tendo feito três dos cinco indicados.

Ellen DeGeneres, a apresentadora, acertou uma ou outra piada, fez Spielberg tirar uma foto dela com Clint, deu um roteiro a Scorsese. Foi pouco. E fez sentir saudades do humor politicamente incorreto e muito mais anárquico de Jon Stewart no ano passado.

Mas deixemos a moça de lado, pois o Oscar 2007 foi mesmo de Scorsese. Que tinha o melhor filme entre os cinco na disputa e apenas por isso já merecia o prêmio. Mas venceu com uma obra muito inferior às que fizeram seu nome nos anos 70 e 80. A Academia, no fim das contas, também premiou Martin para corrigir injustiças passadas.

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